A ficção científica assume seu lado multi facetado de forma mais explícita no romance de Ursula K. Le Guin, A Mão Esquerda da Escuridão, o que levou a autora aos prêmios máximos do gênero, o Hugo e o Nebula, graças aos traços de psicologia, filosofia e antropologia adicionados a uma aventura de exploração em um mundo muito, muito distante do nosso.

Talentosa criadora de mundos de fantasia, Le Guin nos leva ao planeta Gethen pelos olhos do explorador Genly Ai, cuja missão é agregar esse mundo a uma união planetária soberana, utilizando métodos pacíficos e respeitanto a cultura local. Com isso, você já pode descartar as ideias mais comuns de dominação, envolvendo naves espaciais, grandes armas e planos de invasão, mesmo que alguns desses elementos estejam presentes na obra. O intuito de Le Guin é nos proporcionar uma imersão radical em uma sociedade que não conhece a guerra, mesmo estando inevitavelmente propensa a corrupção e a vaidade, mas integrada de uma forma diferenciada. Assim como no plano político de 1969, ano em que o livro foi publicado, Gethen está dividido em duas grandes nações: Karhide, uma representação do mundo ocidental liderado por um rei; e Orgoreyn, o lado oriental e orientado para um governo pseudo comunista. A missão de Ai se inicia em Karhide, onde sua proposta não é bem vista e se expande para Orgoreyn, onde a ganância dos comensais colocam a vida do protagonista em perigo. Contudo, as alegorias referentes a Guerra Fria são uma gota no oceano fantástico da obra.

O que há de realmente interessante em Gethen é seu povo, humanóides em um nível onde o próprio Genly Ai pode se passar por um deles, mas desprovidos de uma sexualidade definida. Os gethenianos são assexuados e andróginos, apesar das características sugerirem uma fisionomia masculina bastante suavizada, e isso os torna desprovidos, na maior parte do tempo, das distrações sexuais e o dos arroubos sentimentais de relacionamentos. São frios e lógicos, comedidos, expressando serenidade, sem distinção de gêneros em uma sociedade onde o indivíduo busca o status social, mas todos são tratados como iguais. A sexualidade aflora durante o período de “kemmer”, onde dependendo das condições, o getheniano pode desenvolver tanto características masculinas como femininas e basta o estímulo de um toque para fazer surgir a sensualidade da espécie. Passado o “kemmer”, o indivíduo volta a assumir sua androginia. Pode parecer uma comparação grosseira, e talvez o seja, mas o “kemmer” getheniano pode ser visto como uma espécie de cio animal, um ciclo que baixa as defesas individuais em prol da preservação da espécie.

Imagine como é confuso para Genly Ai interagir de forma correta com uma sociedade como essa, sem distinção sexual, com períodos pré definidos de sexualidade, políticas isolacionistas e que o considera um “pervertido”, já que se mantém permanentemente com sua sexualidade masculina definida, em perpétuo “kemmer”. Ai é tão estranho para os gethenianos, ou mais, do que os gethenianos são para ele. Para que haja compreensão entre as espécies, surge a figura de Estraven, um dos personagens mais difíceis da ficção científica, pois não se define imediatamente como herói, vilão, mártir, companheiro ou inimigo do protagonista.

Com uma herança de sangue a ser carregada sobre seus ombros, Estraven se torna a última esperança de Ai quando este se vê exilado, traído e aprisionado, e com ele percorre uma imensidão desértica e gelada em busca da salvação em uma interação que deixará mais definida a representação das duas espécies. Le Guin construiu sua obra de forma a proporcionar visões diversificadas dos acontecimentos, que são narrados por Ai em alguns capítulos, Estraven em outros e baseado em relatos, registros e lendas em um terceiro ponto de vista. Essa construção audaciosa complemento os ideais de dualidade representados no livro e colocados em seu limite durante o isolamento dos personagens. Na passagem mais marcante da obra, e que a intitula, a importância da integração não apenas sexual, mas dos sentidos masculinos e femininos se faz pronunciar em um cântico de Karhide:

“A luz é a mão esquerda da escuridão
e a escuridão é a mão direita da luz…”

A passagem leva imediatamente o protagonista a apresentar o conceito terrestre do yin e yang ao getheniano, mostrando que nossa cultura não é tão ignorante quanto possa parecer nas ideologias de igualdade e equilíbrio.

A Mão Esquerda da Escuridão apresenta uma ficção científica bem diferente dos temais mais comuns, afinal, a parte principal da trama se passa entre dois personagens afastados do que restante do universo, sobrevivendo ao vazio e as suas diferenças. Pode parecer aborrecido quando apresentado desta forma, mas contém, em sua essência, um estudo bastante original das diferenças étnicas, religiosas e sexuais entre dois povos, com uma conversão bastante convincente para um ponto comum, não só na origem destes, como também em sua base filosófica.

Obra difícil, ainda que de leitura fácil, o livro merece o reconhecimento pelo esforço da autora em trazer para a ficção científica não só um olhar feminino, mas um olhar para além dos gêneros.

A Editora Aleph tem em seu catálogo uma edição da obra com tradução de Susana Alexandria e disponível nas grandes livrarias. Também é possível encontrar a edição do Círculo do Livro, com tradução de Terezinha Eboli e Yeda Salles, nos sebos virtuais.

Spohr estourou como um autor best seller, com seu romance de estreia, A Batalha do Apocalipse, alavancado por um excelente marketing virtual, e o boca a boca dos fãs. Não é comum um autor entrar na lista dos mais vendidos com o primeiro trabalho, ainda mais quando este pertence a um gênero específico, voltando a um público que é rotulado ridiculamente de “nerd” no Brasil. Apesar de algumas fraquezas literárias, A Batalha do Apocalipse é um livro épico, onde Sporh explorou todas as suas influências de cinema, HQ, RPG e animes para compor um cenário original e que não conquistou um grande público só pelo merchandising, mas sim pela ousada criatividade do autor e o carisma de seus personagens. Confesso que hoje, relendo ABdA, eu simpatizo muito mais com o livro do que na época em que escrevi minha resenha sobre ele. Não que eu retire minhas críticas, mas a história se tornou mais interessante em meu ponto de vista e vejo o livro como um marco na produção literária de gênero para o país, já que inspirou novos autores, mostrou o potencial do mercado e renovou o interesse nos escritores brasileiros. Grande  feito, e repito, com uma boa história.

Filhos do Éden – Livro 1: Herdeiros de Atlântida, já nasceu com a grande responsabilidade de se igualar a ABdA,  ou ao menos chegar próximo ao seu sucesso. Sendo um spinoff de ABda,  e não uma continuação ou prequel, o livro transcorre no mesmo universo, onde anjos de facções rivais duelam pelo controle do céu e destino da humanidade. Contudo, estamos bem longe do cenário principal da grande batalha, acompanhando uma trupe em missão na Terra. A trama se desenvolve em torno de Kaira, uma ishim que perdeu a memória e vive uma vida de mortal em nosso plano, até ser procurada pelos anjos Levih e Urakin, que a despertam para uma importante missão em andamento, que influencia diretamente a batalha travada no céu. O trio precisará buscar respostas para enigmas seculares, negociar com deuses pagãos, resistir a traições e intrigas, e viajar até o coração de uma civilização perdida para cumprir esta missão, lutando ou fugindo de inimigos poderosos.

O tom é muito distinto de ABda, em um plano terreno a trama corre com uma ação desenfreada, uma verdadeira jornada de aventura ininterrupta, sem a grandiosidade das batalhas travadas no livro que deu origem a este universo, mas com tiroteios, fugas automobilísticas, pancadaria e o uso de poderes místicos fantásticos. Entre os capítulos, temos alguns flashs de um passado distante e informações preciosas que complementam a narrativa de ABdA,  mesmo sem a participação dos protagonistas do mesmo (ok, temos algumas aparições relâmpago e citações), e uma exploração mais profunda dos desentendimentos entre os arcanjos antes do sisma.

Contudo, Filhos do Éden – Herdeiros de Atlântida é um trabalho muito inferior a ABdA, e sendo um filho deste, não acredito ser injusta a comparação. Como o foco narrativo é na ação, devo dizer que o objetivo foi alcançado, pois apesar dos muitos exageros aceitáveis, Spohr soube transformar em palavras seus mais intensos devaneios, o problema é que a ação repetitiva vai se tornando frugal, até afundar em uma monotonia enorme, quando o clímax já se torna previsível. Mas isso não é o que me incomoda no livro, posso conviver com as sequências alucinantes tão feliz quanto assisto a série Duro de Matar. Difícil mesmo foi tolerar os personagens…

Vejam bem, Ablon e Shamira, de ABda, cativaram o público pelo seu carisma e pelas várias facetas que apresentaram no desenrolar do livro. Já Kaira, Urakin e Levih não são nada mais do que fichas de personagens de RPG, presos a suas classes, limitações e essência, e em momento algum se mostram interessantes ou surpreendem o leitor, estão agrilhoadas a uma jaula construída pelo próprio autor. Em determinados momentos da leitura surgiram brechas incríveis para que os personagens brilhassem, rompendo esses grilhões e mostrando algo único, mas isso não acontece. Mesmo o rebelde Denyel, que surge como a salvação do livro, consegue romper com esse incômodo, pois se tornou tão estereotipado quanto seus companheiros, e seu tipo, cuidadosamente forjado, é tão artificial quanto a atuação fraca dos demais.

Que fique registrada uma opinião muito pessoal, que provavelmente não será bem vista por muitos, mas, corresponde ao que vejo no momento: muitos jovens autores estão trazendo para sua literatura uma bagagem de experiências como mestres em RPG, o que acho interessante, pois o jogo é focado em narrativas, porém, não deixa de ser um jogo, com regras e limitações que o tornam desafiador e justo. A literatura não é um jogo, é algo muito pessoal, tanto para o autor, como para o leitor. Criar personagens literários dentro dos padrões de criação de personagens de RPG é fechar portas para a imaginação, pois não existem limites e regras na escrita, não há fronteiras, uma missão pode ser abortada por algo menor ou maior, dependendo das decisões dos personagens, que podem agir de forma contraditória, sem a máscara de mocinho ou bandido, o que o tornará único e atraente. Claro, sou apenas um leitor, e minha opinião é expressa como tal, a escrita é tão livre que pode até optar-se por prendê-la, é a liberdade do autor, mas não me agrada nem um pouco.

A padronização de Urakin, “investindo como um touro”; Levih, “congelando diante da violência”; Denyel, “falando com ironia”; e Kaira, “buscando encontrar seu poder”; me deixou frustrado. Os vilões, caricatos e clichês, também não ajudaram muito.

Enfim, Filhos do Éden – Herdeiros de Atlântida, não é o que eu esperava depois do esforço criativo de ABda. Cogitei que a experiência tornaria Spohr mais ousado e objetivo, ainda que explorando o mesmo universo, mas vejo um retrocesso. O fato de ser um “Livro 1” não muda o cenário, já que a história se fecha no clímax, podendo ou não ser retomada, dependendo da decisão do autor de usar os mesmos personagens em um próximo trabalho (espero que não) ou trabalhar com novos elementos (isssso!). O fato é que Spohr tem talento, mas precisa encontrar sua própria voz, que está além de suas influências passadas; da Jornada do Herói, que ele tanto cita e segue a risca em ambos os trabalhos; e até mesmo de sua própria criação. Para vencer A Batalha do Apocalipse, que já é um clássico moderno de fantasia nacional, Spohr terá que lutar com suas próprias armas.

Sendo assim, lá vai minha lista dos 5 melhores filmes desta maratona.
1 – Drive: pela atmosfera, surtos de violência e protagonista retrô.
2 – A Pele Que Habito: pelo roteiro e coragem.
3 – Meia Noite em Paris: pelo charme e elegância.
4 – Ataque ao Prédio: pela diversão.
5 – Rio: por mostrar um Brasil mais brasileiro.

E os 5 piores, sem nenhum comentários, pois já me irritaram o suficiente.

1 – Aterrorizada.
2 – Hobo With a Shotgun.
3 – Invasão do Mundo: A Batalha de Los Angeles.
4 – A Inquilina.
5 – Guerreiro.

E, agora, voltamos com nossa programação normal.

Desde já aclamado como o filme do ano, este novo trabalho do cineasta Terrence Malick é extremamente autoral, fugindo de tudo o que o cinema reconhece como comercial e vendável, e o que muitos acham por bem definir como arte.

O diretor faz parte de um seleto grupo que trata com carinho e uma visão única as imagens que levam para a tela, assim como apostam em roteiros difíceis de se filmar e transpõem em lírica visual suas ideias para a audiência.

Seu Além da Linha Vermelha, de 1998, foi um choque agradável para aqueles que vivenciaram sua intensidade visual e emocional nas telas dos cinemas. Obra inigualável em força e harmonia, que tirou o diretor de seu ostracismo de 20 anos, lembrando ao mundo o quão talentoso ele é. Em O Novo Mundo, ele conseguiu repetir o feito, não com a mesma intensidade, mas com méritos visíveis. A Árvore da Vida leva o diretor a seu limite, com um roteiro existencialista, não linear e pontuado por clamores a uma entidade divina muda e ausente, em muitos momentos incômodo em sua beleza e grandiosidade.

Brad Pitt, em ótima atuação, é o pai de uma família americana nos anos 50. Linha dura, controlador e um tanto amargurado, leva os filhos na rédea curta, causando um mal estar na família e despertando a rebeldia do filho mais velho. Jessica Chastain, por outro lado, faz o papel da mãezona, mais presente e carinhosa, porto seguro para as crianças com sua delicadeza e submissão. Indo do passado para o presente, o filme narra a história da família pelos olhos de Jack, interpretado tanto por Hunter McCracken como por Sean Penn, e sua amargura diante do pai, o carinho pela mãe, o companheirismo e as brigas com os irmãos, a descoberta da miséria e o desespero por encontrar um sentindo na vida, principalmente após a morte de um dos irmãos.

É a voz de Jack que lança as questões fundamentais e faz colocações duras para e sobre Deus, negando e ainda assim procurando a entidade divina que poderia lhe conceder uma explicação para a vida e uma justificativa diante de suas perdas.

Malick consegue transformar qualquer imagem banal em algo grandioso, com uma fotografia e enquadramentos perfeitos. A vida comum e simples da família O’Brien se tornam muito mais interessantes e vivas pela lente do diretor. Desde uma imagem simples, como a mãe lavando os pés no jardim, e uma cena de tensão, com os dois irmãos brincando no campo com uma arma de brinquedo, merecem o mesmo cuidado estético por parte do diretor. E nisso, sem dúvida alguma, A Árvore da Vida tem muito a oferecer, na beleza e simplicidade, o que o transforma realmente em uma obra de arte.

A arte, contudo, tende a ser monótona, e a beleza se torna cansativa em sua própria perfeição. O simbolismo das imagens e principalmente dos intermináveis interlúdios com cenas da natureza conflitando com os clamores de Jack são incômodos e… bem, me desculpem os cultos, mas chatas pra danar. É ótimo ver um diretor talentoso extravasando em uma obra pessoal, mas acompanhar isso em seus momentos mais profundos, com uma lentidão exacerbada é de derrubar qualquer um da cadeira.

A Árvore da Vida é um filme belíssimo, como Melancholia, de Lars von Tiers, mas o expectador deve se preparar para essa viagem, mergulhar nela e, em certos momentos, suportá-la, tirando dela o que achar melhor para si. No fundo, uma ingenuidade e conservadorismo se destacam na obra, e isso, nem toda a arte do mundo consegue camuflar.

Unir robôs gigantes e boxe soa, logo de cara, como uma grande sacada para atrair o público jovem para o cinema. E consegue, é claro. Reunir um astro e um jovem em ascensão, adicionando uma estrela da TV da qual todos estavam com saudade, faz o elenco parecer grandioso. Mesmo um diretor desajeitado como Shawn Levy (Uma Noite no Museu, A Pantera Cor de Rosa, Doze é Demais) e familiarizado mais com comédias de gosto duvidoso do que com a ação não poderia estragar o filme. E não estragou.
Charlie Kenton (o Wolverine) é o tipo de cara durão e solitário, que ganha a vida arrastando robôs defasados para cidades pequenas e participando de shows onde as latas velhas podem se esmurrar para a diversão do público. Um perdedor por natureza, acaba somando a suas preocupações o fato de ter que assumir, ainda que temporariamente, a guarda de seu filho Max (Dakota Goyo, o pequeno Thor) que ele nem conhece. Tendo em vista que pode lucrar algum dinheiro cuidando do garoto, Charlie o leva a um passeio, para que conheça sua realidade e, juntos, encontram o velho robô Atom, a última esperança do veterano de chegar a algum lugar em sua mal fadada carreira.
Evangeline Lilly (Lost) assume o papel de Bailey, a namorada e conselheira de Charlie, em um papel que mostra que na telona ela não é grande coisa, e deve mesmo ficar com papéis secundários no cinema. Kevin Durand (também de Lost) assume o papel do vilão fanfarrão, enquanto Karl Yune e Olga Fonda assumem os papéis de vilões arrogantes e bem vestidos.
O filme contém boas cenas de ação, tiradas engraçadas, um entrosamento perfeito entre Jackman e Goyo e uma história bem família, tudo certinho em seu lugar, em mais uma história do perdedor que vê sua vida mudar diante de um fator externo de motivação e parte para o tudo ou nada. Uma história de pai e filho, mas que chama mesmo a atenção pelos robôs e nada mais.
Atom é um dos robôs mais simpáticos já vistos no cinema. Não fala, não pensa, é ultrapassado, só obedece comandos, mas ainda sim tem um quê de humano. Obviamente, o robô serve como um espelho para Charlie. Ambos são subestimados e devem provar algo a si mesmos. Ambos estavam sozinhos e agora podem aproveitar e aprender com as novas companhias.
Não dava para esperar muita ousadia, levando-se em conta o público alvo para o qual o filme foi produzido. É divertido e esquecível, vale para uma matinê de domingo e nada mais. O roteiro foi baseado em um conto de Richard Matheson (Eu Sou a Lenda) e já havia sido adaptado para a TV. Mais inocente e ingênuo, Guerreiro de Aço vence pela despretensão.